カンファレンスを経て思ったこと

先日無事に、シカゴで行われた音楽教育のカンファレンスに、Red Leaf Pianoworksの一員として参加することができました。

ブースを訪れて下さった方が、私の楽譜集を目の前で手に取って、じっくりと最後までページをめくって、そしてお会計に持ってきて下さった時の感慨は、これまで感じたことのないものでした。実際に弾いて気に入ってもらえるといいな、長く弾いてもらえる曲が見つかるといいなあ、と願いを込めながらサインをさせてもらって送り出しました。

カンファレンスに参加してよかったことのもう一つは、Red Leaf Pianoworksの作曲家の仲間と初めて実際に会って、ブースを切り盛りしたり、ショーケースをしたり、設営・撤収したりという実務の合間に、作曲やピアノ教室の運営、そして人生についても様々な話をできたことです。Red Leaf Pianoworksのメンバーはカナダ在住の作曲家が多いものの、世界各国に根ざしています。こんなにいろんなところで生きている人たちが、音楽を通して出会って、お互いに深く共感できることに感激しました。

そして個人的に思ったこととして、現在自分はミュージカル、コンサート音楽、教育的ピアノ音楽、という三つのジャンルに、それぞれコミュニティーを通して作曲家として関わらせてもらっているのだなということでした。一つのジャンルを自分の居場所と定めて、作品を重ね作風を深めている作曲家を尊敬しますし、どのジャンルにおいても自分はど真ん中ではない、と感じて肩身の狭い思いをすることも多々あります。一方で、あるジャンルで学んだことを他のジャンルでの作曲にも応用できるのは楽しいですし、自分の歩んできた軌跡のユニークさでもあるかな、と思えるようにもなってきました。

NPOに関わる活動も段々と増え、更に尊敬するアーティストをfeatureする活動にも興味を持っているのですが、自分自身の作曲も、もっと積極的に重ねていきたいなとの思いを新たにしました。

最後に、一緒にカンファレンスを過ごしたRed Leafの仲間達の、楽譜の集合写真を添えて…。

ピアノで歌うということ

数年前から伴奏の仕事をしているのですが、先日声楽のレッスンで歌の先生が「ピッチを頭の中で考えただけで、自動的に声帯がその音を出すのに適した長さに調整される。」とおっしゃっていて、人体の高機能ぶりに改めて感じ入りました。

思えば口笛を吹けることだって、触っただけで紙が一枚なのか二枚重なっているのかを識別できることだって、実にすごいことです。

ピアノを弾く時にも、特にデクレッシェンドをする場合、音が減衰する速度に合わせて、どれぐらいの音量で次の音を弾きたいのかをイメージし、鍵盤への指の置き方とタイミングでそれを実行するわけで、いくつもの認知と筋肉のコントロールを同時に行なってようやくできていることなんだなと思います。

というのもこの間、モーツァルトの『レクイエム』より「ラクリモーサ」のピアノアレンジを作ったのですが、コーラスとオーケストラで歌い上げられるこの曲のメロディーをピアノで再現するには、その「次の音をどう置くか」が特にとても重要で、色々なことを思いながらデモ演奏を作りました。よければぜひご覧いただけたら嬉しいです。

今思うハノンの良さ（その２）

ハノンピアノ教本に対する否定的な意見で目にしたものに、「ハノンを指の独立や指や上腕の強化の目的で使うと手を痛める可能性があり、また音楽的でない機械的な反復は生徒から音楽を聴く姿勢を奪ってしまう。」というものがありました。

ハノンが音楽的でないという見方には前回の投稿で考察した通り異論がありますが、故障に繋がりかねないという指摘はわからなくもないと思いました。

ただ、何を得る目的でその教材に取り組むか次第という気がしています。

確かに、ある程度上達した学習者がずっとハノンにこだわる必要はないと思います。既にスケール、コード、アルペジオを学習していて、様々な練習曲にアクセスできるなら、そちらに時間をかけたほうが良いと思います。ただ私は今、ハノンは導入課題としてとても優れているのではないか、と考えています。

良いと思う点は２点あって、１点目は楽譜が自在に読めるようになる前から沢山の音を弾けること、２点目は自分で出す音をコントロールする練習になること、です。

１点目については、ピアノを習い始めの生徒さんは並行して様々なことを学ばなくてはならず、特に読譜の習得には時間がかかるので、導入のメソッド本に載っている曲を弾くだけでは鍵盤に触れられる機会が非常に限られてしまいます。その点ハノンは、音のパターンを理解してしまえば読譜を解さずに弾けるので、沢山の音を弾く中で鍵盤に対しての体の使い方を自分なりに掴める機会を担保してくれると感じます。（もちろん姿勢や手や腕の使い方についての教師のフィードバックは不可欠ですが）

２点目は、弾けるようになったハノンをアーティキュレーションとリズム等様々なバリエーションで弾くことで、意識の中で自分の出す音を操作できる練習になる所が良いと思っています。というのも、読譜に手一杯の状態では自分が出している音を客観的に聴くことが難しいですが、一度パターンを習得したハノンなら「スタッカートで弾くぞ」と思って、そのように弾こうとする中で、指から感じる感覚や耳から入ってきた音と関連させて、主体的に音を作っていくことができます。また、「今はこのパターン」というのを全曲通して維持するのも初めは難しいので、それも良い練習になるなと感じています。

私自身、つい最近までそれほどハノンを導入時から積極的に使っていたわけではないのですが、オンラインの生徒さんが増える中で、実際にその場で弾いて見せたり、手を持ってあげて力加減を伝えたりできない中で、どうすれば早い段階から力の使い方を掴んでもらえるだろうかと試行錯誤する中で辿り着きました。

今思うのは、ハノンは読譜の学習に時間がかかる時期にも、体の使い方や主体的な音への関わり方のトレーニングも並行して進めることを可能にしてくれると感じています。これからさらに取り組んでいく中でまた思うことは変わってくるかもしれませんが、ひとまず今「ハノンいいなあ！」と盛り上がっているのでこれを機会にまとめさせて頂きました。

ちなみに、せっかくなので２つほどおもしろハノン情報を。

１つ目は、NHKのららら♪クラシックのハノン特集の回で取り上げられていて知ったのですが、ショスタコーヴィチのピアノ協奏曲第2番第3楽章でハノンピアノ教本第一番が引用されているのです。Wikipediaによると、この曲はショスタコーヴィチが息子さんの19歳のお誕生日の為に書いたもので、息子さんが音楽院の卒業コンサートで初演したそうです。ハノンを曲中の３つのテーマのうちの一つに選んだのは卒業にちなんでのジョークだそうです。なんともチャーミングなのでぜひ聴いてみてください。澤田侑花さんの演奏がまた素晴らしいです。

２つ目は、ピアニストのマルク＝アンドレ・アムランが今年のエープリルフールについた嘘で、ハノンピアノ教本の３枚組CDを出すというものです。あまりに素敵に弾くので、「えええ？」と思いつつ少し信じてしまいそうになりました。日本語字幕は残念ながらついていないのですが、こちらも良ければぜひ見てみて下さい。

今思うハノンの良さ（その１）

今日は少し、最近のピアノティーチングで感じていることを書きたいと思います。

この間ある生徒さんが、ハノンピアノ教本の第六番を弾き終わってこう言ってくれました。

「ハノンはとてもメロディックだと思うよ。なんでかわかる？それぞれのグループで半音の位置が違うからだよ。」

まだピアノを始めて一年と少しながら、音楽理論にも興味を持って日頃から色々な鋭い質問をしてくれる小学生の生徒さんなのですが、このコメントには脱帽でした。（以前「長調と短調以外に音階はないの？」と質問してくれた際に少しだけ教会旋法の話をしたこともあったので、その時に得たアイディアを無意識に応用してくれたのだと思います。）

白鍵だけで弾くハノンがハ長調をベースにしているのは確かですが、彼が指摘してくれた通り、個々のグループだけを見ればそれぞれが微妙に異なるメロディーであり、さらに言えば異なる教会旋法に属しているとも解釈できる、という視点に気づかせてもらってとても興奮しました。

以下にビデオを交えて実際に響きを聴きながら考察してみたいと思います。

まず教会旋法についてですが、以下、ヤマハの音楽用語ダスより定義を引用します。

中世ヨーロッパ音楽の基本となる7種類の音階。ドレミファソラシのそれぞれを基音として、各々の音から出発するスケール。アイオニアン・スケールは長音階、エオリアン・スケールは短音階として残っている。ジャズで使われるモード理論もここから派生している。

実際に弾いてみるとこのような響きです。

私は個人的には、これだとどれもそれなりにハ長調に聴こえてしまうのですが、聞き慣れたメロディーで試してみると違いがよくわかります。きらきら星をそれぞれの旋法で弾いてみました。

頭の中で一緒に歌っていると少しずつ違った音が鳴るので、度々小さな驚きが感じられます。ここまで来たところで、ハノンピアノ教本（原題はThe Virtuoso Pianist in 60 Exercises）の第一番の上行型を聴いてみましょう。

この流れで聴くと聴き慣れたハノンも「なるほどグループごとに表情が違うな！」と実感して頂けるのではないかと思います。ちなみに、もしハノンをハ長調ではなく、ハ長調の音階を基音とする長調の連なりとして弾くとこのような響きになります。

確かにそれぞれは長調の響きなのですが、ホ長調とロ長調から次の音へ行くときに増二度が発生してしまうので（ビデオではロ長調で終わっているのでニ個目の増二度は含まれていません）、正しく弾けていてもソワソワしてしまいます。これはこれで良い移調の練習になりそうですが。

以上、「単調で音楽的でない」と捉えられることも少なくないハノンですが、白鍵だけを使うことによって指の動きは同じながら実は音の関係は移ろっていること、よく耳を澄ますと飽きることのないメロディーの連なりであることに生徒さんのおかげで気づけて、旋法の観点から考察することができました。一緒に体験して下さりありがとうございます！

ちなみに、それでもハノンを弾き慣れてくると、それぞれのグループを大きな塊（始まりの音とその装飾）として捉えていると思うので、結局全体を大きなハ長調の音階と感じていて、実際に旋法としてクリアに感じている訳ではないと思います。ただ、弾いていてしみじみと飽きないのはこういう理由なんだなととても納得しています。

ハノンについてはこの気付きのほかに、導入課題としてとても有効だなとも感じているので、次回はその視点から思うことを書いてみたいと思います。

オンライン・対面レッスン

今日は少しピアノティーチングのお話をさせてもらいたいと思います。個人で教えているのですが、アメリカに来る前から合わせると早いもので今年で16年目になります。初心者の生徒さんを教えさせてもらう機会が多かったので、所有する導入のテキストも増えてきました。

写真に写っている６シリーズはアメリカではかなりメジャーなものだと思うのですが、それぞれのメソッドに少しずつ個性はあるものの、基本的には鍵盤上の黒鍵の認識から入ってファイブフィンガーポジションの音を少しずつ紹介し、音名入りの音符を読むところから楽譜を読むところに導入していく、というものが多いように思います。

ただ、ここ最近オンラインで全くの初心者の生徒さんを教えさせてもらうことになり、教材を工夫しているうちに思うところがありました。これまでのピアノテキストは、当然といえばそうなのですが、基本的に対面レッスンを前提に作られているということです。

対面であれば、先生が伴奏をして一緒に弾くことができるので、「ドードードーーー」といったとても単純な課題でも音楽的な体験をすることができます。ただ、今のところオンラインレッスンで合奏することは難しいのが現状なので（既に可能なプラットフォームもあるかもと思うのですが、少なくともZoomではまだうまくいきません。。）合奏を前提とせずに、初心者の生徒さんが初めから自分のパートだけで「楽しい」と思える独自教材の工夫を重ねています。

今試みているのは、音名の認識より先に指番号を定着させ、ステップとスキップの概念を鍵盤上及び楽譜上で導入してしまってから、ステップとスキップだけでできている曲を次々に自分で読んで「弾ける」という経験をしてもらうことです。生徒さんの年齢やタイプにもよるのでまだ試行錯誤中ですが、初回から「曲が弾けた」という成功体験をしてもらうことはモチベーションの維持には特に良いように思います。

それにつけてもベートヴェンのOde to Joy（歓喜の歌）に感謝が尽きません。ステップとスキップが混じり合った曲はいくつか見つけることができるのですが、ステップと同音だけでできていて、かつ十分に個性のあるメロディーは今のところ他に見つけられていないので。。。

これまでの生徒さん一人一人から学んだことを活かして、より良いレッスンにできるよう工夫していきたいと思います。

「聴くこと」について

あっという間に一月ももう残り数日ということで、今年も早々に時間の経つ速さを実感しています。

このところ「聴くこと」について考えるところがあったので、少し書いてみたいと思います。

というのも最近、プロとして精力的に活動している弦楽四重奏のメンバーである友人と話す機会があり、カルテットの活動について色々話を聞けてとても興味深かったのですが、なかでも印象に残ったのがまさに「聴くこと」の大切さでした。

なんでもある時、ピッチや強弱や緩急、フレージングなど、曲の表現としてそれぞれやるべきことをやっているのに何かしっくり来ないと感じることがあったそうです。その時、普段一番寡黙なメンバーが話し合いを提案して「お互いに聴き合っていない」ことを指摘し、皆でハッとしたというのです。

彼らほど才能もあり経験もある人たちが、お互いを「聴き合っていない」なんてことがあるのだろうか？とはじめは思いましたが、そのことを考えながら過ごしていると、なるほどと私自身実感する出来事がありました。

教会のミサの為にソリストとリハーサルをしていた時のことなのですが、初めて合わせる曲で、一度通した後にソリストから「ちなみにここはritを多めにかけてちょっと溜めをつけたい」と言われ、「（さっきもそうやっていたんだけどなあ）」と思いながらもう一度同じように弾いて合わせると、「そうそう！そんな感じで」と言われて、なるほどと思いました。

彼はプロではなく趣味で音楽を楽しんでいる人なので、経験が少ない事はもちろんあると思いますが、「ここはこうするって伝えなきゃ」というアイディアは演奏後に思い出され、すなわち実際に弾きながら私がどう弾いていたかは認識されていなかったのではないかと思いました。

おそらくは、音楽を演奏するということが様々な情報を並行して処理していくことであるだけに、何か特定の事だけに気をとられると他のことは「自動運転」状態になり、演奏は続いているけれどその時実際に何が起こっていたかは認識されないまま通過してしまう、ということが様々なレベルで起こり得るのだと思います。

そう考えると、本当に「聴き」ながら「弾く」ということ、特にアンサンブルの場合はそうして相手のあり方に合わせるということはむしろ大変難しいことなのだと思いました。自分のこれまでの演奏経験を振り返っても、「自動運転」で合わせられている気になっていたことがきっと多くあったのだろうと思い、精進せねばと思いました。

ピアノを教えていて思ったこと：できることとできないことの境界線

写真は投稿と関連がありませんが…、
なんだかきれいな夕暮れ時だなと思って見上げた瞬間を撮ったものです。

気がつけば７月も終わりに近づき、夏の前半が過ぎたことにはっとします。ニューヨークはここ数日はとても涼しい気温が続いていますが、日本の夏はいかがでしょうか。

今日は少し、ピアノを教える中で思ったことを書き留めておきたいと思います。数年前から徐々にピアノを教える機会が増え、現在は10人前後（夏休みで長期お休みの生徒さんや、増えるかも？な生徒さんも含めて）の生徒さんに教えさせてもらっています。

子どもの生徒さんは５歳前後のお子さんに一から教えさせてもらう機会が多く、一本指で鍵盤を弾くのがやっとというところから始めて、数年経って両手で弾けるところまでくるとやはり感激します。その過程で思うことですが、「子どもは成長の過程で大人を常に試しながら、やっていいことと悪いことの境界線を学んでいく」と聞いたことがありますが、教える側にも生徒さんに対してそういう側面があるなと感じます。その場合に見極めるのは変動する「できることとできないこと」の境界線ということになりますが、前回はできなかったことが今回はできるようになっているかもしれない、という意識をもって積極的に補助を外していくことを意識しておかないと、せっかくの成長を妨げてしまいかねないなと感じます。自力ではまだできない部分をシンプルに助けてあげたくなる気持ちはありますが、かといって毎回音名を書いてあげたり、毎回声かけをしながら歌ってリードしてあげたり、「こうすればできる」という方法をいつまでも続けていては指導にならないぞ、相手は常に成長し続けている存在なのだ、と肝に銘じる思いです。補助の手立ての引き出しを増やして、よりその時々に合った高さの階段をつけてあげられるようになりたいです。

月並みですが、生徒さんから学ぶことは多く、指導法の試行錯誤においてだけでなく自分自身の音楽への見方や向き合い方にも刺激をもらうことが多いです。全ての経験から学んだことを還元していけたらと思っています。